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Artistas desaparecidos prematuramente del mundo de la Música (¡Actualizado! '09)


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193 respuestas en este tema

  • ereso_22

  • Ganondorf

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#181

Escrito 27 enero 2009 - 18:22

Ronald Belford Scott (*9 de julio de 1946 - †19 de febrero de 1980), más conocido como Bon Scott, fue un cantante de rock, letrista, gaitero y baterista, conocido por haber sido el vocalista de la banda AC/DC desde 1974 hasta su muerte.

Highway to hell
http://www.youtube.com/watch?v=PqwFfGgLPzM

Girls got Rythm
http://www.youtube.com/watch?v=Mt6RhEWMRFc



Muerte

En la noche del martes 19 de febrero (1980), Bon se dirigió al Music Machine de Candem (actualmente conocido como el Candem Palace) y se retiró del lugar alrededor de las 3 de la madrugada junto a su amigo Alistair Kinear quien se ofreció para llevarlo hasta su piso en Victoria. Durante el viaje, Kinear percibió que Bon se había dormido, algo bastante normal para cualquier persona tras una noche de copas. Pero Kinear no pudo ni siquiera sacarlo del auto una vez que arribaron a destino, y optó por llevárselo a su propia casa, tras no consegir despertar a Scott. Derrotado una vez más en su intento por retirarlo del coche, decidió dejarlo dormir en éste. 15 horas después, luego de volver al auto y encontrarse con Bon totalmente inconsciente, aterrorizado, lo llevó hasta el Kings College hospital. Pero la pesadilla se había tornado realidad y Bon ya estaba muerto. Tenía 33 años. La causa certificada de su muerte fue "intoxicación etílica" y "muerte accidental", aunque la tradición oral dice que se ahogó con su propio vomito, lo que fue desmentido por el mismo Kinear años después en una revista de rock la cual figura su nombre en la biografía de AC/DC escrita por Susan Massino.

Su último álbum de estudio con AC/DC fue Highway to Hell y su última grabación fue la canción Ride On en directo junto a la banda francesa Trust?.

Poco después de su muerte, el cantante británico Brian Johnson le reemplaza como cantante y AC/DC graba Back in Black, disco del que se han vendido más de 40 millones de copias convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de la historia de la música (por detrás de Thriller de Michael Jackson. La portada del álbum es completamente negra en señal de luto por Bon Scott.

Scott es enterrado en el cementerio de Fremantle. Su tumba se ha convertido en uno de los iconos culturales de Australia. 26 años después de la muerte del cantante, la National Trust of Australia incluyó la tumba en la lista de lugares clasificados como patrimonio de Australia.

En 2004, la película australiana "Thunderstruck" cuenta la historia de cinco fans de AC/DC en su peregrinación a la tumba de Bon Scott.

El 9 de julio de 2006, día en que Scott hubiese cumplido 60 años, la placa de la tumba fue robada.

    Quintiliano

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#182

Escrito 27 enero 2009 - 22:23

Hola

Aquí una imagen de la tumba de Bon Scott

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Saludos

  • arrepeteke

  • Aldia, Erudito del Primer Pecado

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#183

Escrito 22 febrero 2009 - 19:31

Frank Zappa - (1940 - 1993)

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Frank Vincent Zappa, conocido como Frank Zappa (Baltimore, 21 de diciembre de 1940 - Los Ángeles, 4 de diciembre de 1993) fue un compositor de música sinfónica y de cámara, músico de rock, cantante, guitarrista, y artista satírico estadounidense.

Biografía

De ascendencia italiana, fue el mayor de cuatro hijos. A causa del asma que Frank sufría, su familia se mudó en enero de 1951 a Monterey, California, unos 150 kilómetros al sur de San Francisco. Antes de volver a California (San Diego) a principios de los años 50, vivieron un tiempo en Pomona y en El Cajón. En 1955 la familia se reestableció en Lancaster, pequeña ciudad en el valle Antelope, en el desierto Mojave, unos kilómetros al norte de Los Ángeles. A los 15 años, Frank había pasado por seis escuelas diferentes, lo que quizá contribuyó al sentido de alienación que lo embargaría en su edad adulta.

Su padre, que había nacido en Sicilia, era químico y trabajaba cerca de la base Edwards de la Fuerza Aérea estadounidense, lugar dedicado en aquella época a la investigación en el campo de las armas químicas. Dada esa proximidad, tenía en su casa máscaras de gas, en caso de que hubiera algún accidente y es seguro que esto afectó enormemente al joven Frank: en su obra se encuentran varias referencias a gérmenes, guerra bacteriológica y otros aspectos de la industria militar secreta.

La situación de Lancaster permitió a Frank acceder a la estimulante influencia de los sonidos (musicales y publicitarios) de las radios de Los Ángeles y zonas aledañas, y sus padres le compraron un tocadiscos, discos, un televisor e instrumentos musicales. La televisión fue asimismo otra gran influencia: en casi todas sus obras hay referencias a ella, a sus programas, sus anuncios publicitarios y sus jingles.

Su obra cubrió una larga variedad de estilos musicales (principalmente, avant-garde, rock psicodélico, jazz fusión, y clásico contemporáneo) y se destacó en su mezcla de academia, ópera rock, absurdo, humor escatológico y satírico.

Creó y lideró una gran banda musical The Mothers Of Invention, posteriormente llamados sólo "Mothers", por la que pasaron los mejores exponentes del rock y el jazz de su generación, un exquisito grupo de músicos entre los que destacan Jean Luc Ponty, George Duke, Warren Cuccurullo y otros.

Frank Zappa murió el 4 de diciembre de 1993, a la edad de 52 años, de cáncer de próstata. Fue inhumado en una tumba sin identificación en el Westwood Village Memorial Park Cemetery, en Westwood, California.

Discografía

Los discos editados en vida superan los 80, y post mortem se editaron conciertos en vivo, rarezas de estudio, y obras terminadas e inconclusas a la muerte de Frank Zappa. Las obras incluyen música contemporánea, música electrónica, obras de Jazz, operetas, canciones satíricas, solos de guitarra, obras de teatro, recitales de cámara y sinfónicos, y experimentación pop.

http://www.youtube.com/watch?v=kf8TM4CIk5g

http://www.youtube.com/watch?v=-TItmXT8DkM

  • arrepeteke

  • Aldia, Erudito del Primer Pecado

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#184

Escrito 07 abril 2009 - 20:39

Mari Trini - (1947 - 2009)

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María Trinidad Pérez de Miravete Mille (12 de julio de 1947, Caravaca de la Cruz - 7 de abril de 2009, Murcia), conocida artísticamente como Mari Trini, fue una cantante española.

Nació en Caravaca de la Cruz, Murcia, España, el 12 de julio de 1947, aunque a muy temprana edad se trasladó a Madrid con su familia, en la que no existía tradición artística.

Alumna de un colegio religioso, su infancia se vio marcada por una enfermedad que la obligó a permanecer en cama hasta los catorce. Quizá por eso salió de su casa con ganas de libertad y en busca de amplios horizontes. Durante su convalecencia comenzó a interesarse por la música, aprovechó para aprender a tocar la guitarra y empezó a componer sus primeras canciones.

Contaba quince años cuando conoció en Madrid a Nicholas Ray, director de películas como Rebelde sin causa. Ray se convirtió en su representante, y la convenció para viajar a Londres, con el objetivo de prepararse para rodar una película, aunque ésta nunca pudo realizarse. Allí permaneció un año, estudiando y participando en programas de radio con Peter Ustinov.

Más tarde Mari Trini se trasladó a París, donde grabó sus primeras canciones en francés. Después de permanecer cinco años en Francia, Mari Trini regresó a España para continuar su carrera musical. Graba su primer disco en español con la discográfica RCA, en el que canta canciones de otros autores, como Luis Eduardo Aute y Patxi Andión, además de algunas compuestas por ella misma.

Sin embargo, es con su siguiente disco, Amores, grabado en 1970, con el que se dará realmente a conocer y con el que obtendrá un gran éxito. En este disco, el primero que graba con la discográfica Hispavox, se revela como excelente compositora además de intérprete, arropada por Waldo de los Ríos y Rafael Trabucchelli. En él, además de la canción que da título al disco, se encuentran temas como "Un hombre marchó", "Mañana", "Cuando me acaricias" o "Vals de otoño", ya clásicos en la carrera de Mari Trini.

Su siguiente álbum, Escúchame, incluyendo canciones como "Yo no soy ésa" o "Yo confieso", conoce similar impacto que el anterior y confirma a Mari Trini como una de las cantautoras más importantes de habla hispana.

Durante los años siguientes, Mari Trini compagina sus actuaciones en directo por todo el país con nuevas grabaciones discográficas: Ventanas, ¿Quién?, Transparencias o Como el rocío son discos en los que la artista confirma su personal estilo. Al mismo tiempo, continua grabando en francés adaptaciones de sus propias canciones.

En la segunda mitad de la década de los setenta, Mari Trini comienza a acercarse más a los planteamientos musicales del pop del momento. Con sus discos Sólo para ti y A mi aire, la artista ofrece una nueva imagen renovada, tanto en lo personal como en lo musical, al incorporar novedosos y arriesgados arreglos a sus composiciones.

La década de los ochenta comienza para Mari Trini con la publicación de su disco "Oraciones de amor", al que seguirá un año más tarde Una estrella en mi jardín. Con éste nuevo disco, y más concretamente con la canción que da título al mismo, obtiene uno de los mayores éxitos de su carrera.

En 1984 publica dos discos, Diario de una mujer, repleto de grandes canciones, y un disco de homenaje al bolero y la canción sudamericana, que ella interpreta con su particular estilo. A finales de este año realiza un gran concierto en el Teatro Salamanca de Madrid del que se extraerá un doble disco en directo y que será emitido por televisión. En la segunda mitad de los ochenta graba dos nuevos trabajos, Quién me venderá y En tu piel, que supondrán el final de casi veinte años de colaboración con la discográfica Hispavox.

A principios de los noventa graba con una discográfica independiente un nuevo disco , Espejismos, en el combina canciones de corte más clásico con otras con claras influencias rock. Mari Trini recibe un premio en Miami por la canción "Tuya", incluida en este álbum. En 1995 aparece su disco Sin barreras, con la compañía Divucsa, en el que vuelve a grabar cuatro de sus grandes éxitos, además de ofrecer nueve temas nuevos, con diversas influencias musicales, como salsa, rock o incluso blues.

Un año más tarde aparece su disco Alas de cristal, grabado bajo la dirección musical de Josep Mas "Kitflus", tras la publicación del cual recibe un premio de la SGAE como reconocimiento a su carrera. El último trabajo de la artista, grabado con el trío Los Panchos, publicado con gran éxito a finales del 2001, obtiene el disco de oro por sus ventas en España.

Diversos problemas contractuales con su casa discográfica y algunos problemas de salud la mantienen alejada del mundo de la música durante algún tiempo. A finales de 2005 publica un doble disco recopitalorio y un DVD, y recibe un gran homenaje en el cual la SGAE le concede un disco de multidiamante por haber vendido más de diez millones de discos a lo largo de su carrera.

Mari Trini vivió su último año en una urbanización a las afueras de Murcia, componiendo, escribiendo, y preparando un concierto despedida de su carrera, que no pudo hacer, porque falleció el 7 de abril de 2009 en un hospital de la capital murciana.

    David Belikov

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#185

Escrito 07 abril 2009 - 20:43

Aunque "desaparecer prematuramente" presupone que hay un destino para todos, y por lo tanto no puedo estar más en contra del título del hilo, diré que merece nuestro recnocimiento el señor Darby Crash, cantante y compositor de The Germs, fallecido el 7 de diciembre de 1980, cuya muerte fue eclipsada por la de quien ya sabemos, también lamentable, por otra parte.

http://en.wikipedia....iki/Darby_Crash

Shortly after the Germs split, Darby and Pat went on to form the short-lived Darby Crash Band. Circle Jerks drummer Lucky Lehrer joined the band on the eve of their first (sold-out) live performance, when during soundcheck, Darby kicked out the drummer they'd rehearsed with. The band, described by Smear as "like the Germs, but with worse players", played only a few gigs to lukewarm reaction before splitting up.

Shortly after that, Crash contacted Smear about a Germs "reunion" show, claiming it was necessary to "put punk into perspective" for the punks on the scene. However, Smear later claimed that Crash secretly wanted to earn money for enough heroin to fatally overdose. Since Darby had described this scenario many times in the past, Pat did not take him seriously.

On December 3, 1980, an over-sold Starwood hosted a final live show of the reunited band, including drummer Don Bolles. At one point, Crash told the audience, "We did this show so you new people could see what it was like when we were around. You're not going to see it again". Hillel Slovak was at this show. Flea of the Red Hot Chili Peppers tried to gain admittance but the show was sold out.

Crash committed suicide on December 7, 1980, at age 22. Unreported at the time, Crash had overdosed on heroin in a suicide pact with close friend Casey Cola, who ended up surviving. She insists that he did not intend for her to live, nor did he change his mind at the last minute and intend for himself to live. As he lay dying, he attempted to write "Here lies Darby Crash" on the wall, but did not finish. Outside the world of Germs' fans, news of Darby's death was largely overshadowed by the murder of John Lennon the next day. A local news station mistakenly reported that Crash had died from an overdose of sleeping pills.


  • Miki CCE

  • TERRESTRIS VERITAS

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#186

Escrito 29 abril 2009 - 15:18

Bueno, hoy me gustaría actualizar este post homenajeando a un grande del jazz.
Hablo de...

Django Reinhardt (1910-1951)


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Jean Baptiste "Django" Reinhardt fue un guitarrista de jazz de origen gitano. Fue el primer músico de jazz europeo de aceptación mundial, además es conocido por ser el creador del "Gipsy jazz" o "Jazz gitano", una especie de fusión entre el swing y música gitana del este europeo.

Django nació el 23 de enero de 1910 en Liberchies, un pequeño poblado en la provincia de Henao, en Bélgica. Al cumplir ocho años, su familia, nómada y de escasos recursos, se trasladó a un campamento gitano situado a las afueras de París, al lado de las fortificaciones que rodeaban la ciudad.

Analfabeto, autodidacta, incapaz de escribir una sola nota o de leer una partitura, Django era también un hombre con poca disciplina para el estudio, jugador empedernido y juerguista a mas no poder. Django Reinhardt, no obstante, fue un músico extraordinario, lleno de inventiva y creatividad y que supo adaptar la música que venía de América a sus habilidades con la guitarra, a pesar de que en su mano izquierda le faltaban dos dedos, percance ocurrido cuando de pequeño durmiendo se declaró un pequeño incendio que lo tuvo hospitalizado mas de un año y que facilitó su acercamiento al jazz. Uno de sus hermanos le llevó al hospital una guitarra y desde entonces cambió su banjo por ésta que ya no dejó hasta el final de sus días, teniendo que inventar una nueva técnica de digitación acorde a sus facultades físicas mermadas.
Discutido siempre, y discutida su música, lo que es indudable, es que la guitarra de este gitano de los dedos de oro, como se le conocía, tenia un swing irresistible y sus acordes eran de una lógica asombrosa y de una inventiva extraordinaria. Su música siempre terminaba en si misma y de una manera casi mágica, siempre coincidían el principio y el final de la exposición con las partes equivalentes de la audición creando así una especie de complicidad con quien la escuchaba.

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Django Reinhardt, además de un gran músico, tuvo la virtud - poco común en la historia del jazz- de liderar con destreza un grupo de músicos que dieron muchos días de gloria a esta música. En 1934, en compañía de su hermano, Joseph, fundó con ocasión de un concierto en Paris, el grupo que se encargaría de difundir el jazz por centroeuropa en los años previos a la II Guerra Mundial: el Quintette Du Hot Club de France, un combo formado por dos guitarras rítmicas, además de la solista, contrabajo y violín solista. El violinista era, Stéphane Grappelli, un parisino que rápidamente se convirtió en la otra estrella del pequeño grupo basado en la excelente afinidad y compenetración con Django. En 1936, apenas dos años después de la formación del quinteto, el grupo estaba perfectamente consolidado y en 1937 realizó sus primeras giras internacionales. En muchas de ellas participaron grandes instrumentistas americanos que se encargaron de dar lustre y categoría al quinteto francés: Benny Carter, al saxo alto o Coleman Hawkins al saxo tenor, fueron los solistas mas destacados que tocaron junto a él.

La II Guerra Mundial les sorprendió en Londres, donde se quedó Grappelli, volviéndose el resto del grupo a Francia. Mientras el resto de sus hermanos de raza sufrió la persecución y los campos de concentración, Django Reinhardt tuvo la suerte de ser el protegido de uno de los funcionarios de la administración nazi, el cuál era aficionado a su música. Paradójicamente, Django Reinhardt y su música fue, durante la ocupación nazi de Paris, uno de los símbolos culturales de la Resistencia.

La fama de Django - que el en un exceso de fanfarronería alardeaba y engrandecía - llegó a oídos del mismísimo, Duke Ellington, y hasta los Estados Unidos viajó el guitarrista belga convencido de que su fama era mayor de lo que en realidad era. Django Reinhardt, dejó tras de sí una amplísima estela de seguidores incondicionales que lo consideran sin ninguna duda, el padre de todos los guitarristas de jazz europeos. Desde Jaco Pastorius o John Mclaughlin, en el jazz moderno a Jimmy Raney o Wes Montgomery, en el tradicional, todos coinciden en que este gitano belga dio un vuelco espectacular a la música en Europa.

Django falleció de una hemorragia cerebral el 16 de mayo de 1953 en la localidad francesa de Fontainebleau cuando apenas tenía 43 años. Pero a Django lo mantienen vivo sus cerca de 300 grabaciones y una legión de seguidores de su estilo, tanto gitanos: Bireli Lagrene, Elios Ferré, o Christian Escoudé, como "payos", entre los que se encuentran, René Thomas, Philip Catherine, Larry Coryell, o Jim Hall. Recientemente Woody Allen le ha dedicado una de sus últimas películas,”Acordes y Desacuerdos” (1999). Su hueco en la guitarra de jazz europea todavía está sin ocupar.

http://www.youtube.com/watch?v=AEzsPGHsi90


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Para darle un toque videojueguil diré que puede que os suene por ser uno de los artistas cuyas canciones han aparecido en la BSO del juego Mafia, de 2002. ;)

La verdad es que es una delicia escucharlo, yo ayer descubrí un LP de mi madre de este hombre y me encantó. Totalmente recomendado. ;)


Composiciones suyas a destacar:

-Belleville
-Out Of Nowhere
-Crazy Rhythm
-Saint-Louis Blues
-Tiger Rag
-Swing 41

  • Er_keke

  • HARENA TIGRIS

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#187

Escrito 12 mayo 2009 - 16:42

Es el momento de reflotar el hilo:

ANTONIO VEGA

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BIO (de la wiki, que de su web oficial no puedo copipastear)

Antonio Vega Tallés fue un músico español. Nació en Madrid el 16 de diciembre de 1957 y falleció en la misma ciudad el 12 de mayo de 2009 a los 51 años debido a una dolencia pulmonar grave. Mediano de siete hermanos, su padre fue un prestigioso médico leonés de Carrizo de la Ribera especializado en traumatología. En 1978 forma la banda Nacha Pop que proviene de otra banda, Uhu-Helicopter, en la que militaba su primo Nacho. En 1980, Nacha Pop edita su disco de presentación, en 1988 el grupo se separaría definitivamente y Antonio comenzaría su carrera como solista.


Nacha Pop. Durante esta etapa en la carrera musical de Antonio Vega salieron a la luz numerosos temas que terminarían entrando en el cancionero popular español, sobre todo uno en especial, "Chica de ayer", considerada la mejor canción del pop español en alguna lista e incluida en su primer LP, de título homónimo al grupo, que revistas como Rockdelux o Rolling Stone (ed. española) consideran obra maestra imprescindible en la música española.

Por otra parte, muchos aficionados a la música y seguidores de Nacha entienden que es el segundo LP de la banda, "Buena disposición", su obra más importante, un disco que contiene un tema exitoso como "Atrás", después reinterpretado en los conciertos de Antonio.

Pese a todo "Chica de ayer", fue una canción que se convirtió en un himno de la movida madrileña de los 80, pero sin olvidar otros temas míticos como "Lucha de gigantes", "Una décima de segundo", "Cada uno su razón" o "Relojes en la oscuridad". El irregular "Dibujos Animados" fue el tercer LP de la banda y abrió el paso a la época bajo la proteccion del sello DRO, donde se editó el mítico mini-LP "Una décima de segundo", que junto al mini que abrió la carrera de los míticos Golpes Bajos, son sin duda alguna los dos mejores minis del pop español. El sonido conseguido por el productor Peter Mcnamee era espectacular, incluso en la improvisada versión piano bar de "Una decima de segundo" junto a Teo Cardalda.

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Luego llegarían "Más números...", disco que no cumplió con las expectativas previstas, y tras él "El momento", una obra que fue ganando adeptos con el tiempo. En cada uno de sus temas Antonio hacía al oyente partícipe, de alguna manera, de una historia personal, o de su visión en forma poética del mundo. Esto ofrecía un contrapunto muy interesante a la música de su primo, Nacho García Vega, que se inclinaba hacia un pop más directo y unas letras menos metafóricas.

La banda terminaría por separarse en 1988, tras una serie de conciertos en Madrid que darían lugar a su disco de despedida, "Nacha Pop 80-88", que repasaría su discografía de estudio y que sería el epitafio de la banda.

En 2007 se vuelve a reunir la banda 19 años después para dar una serie de conciertos por España entre junio y octubre y para colaborar en la filmación del DVD "Historia sinfónica del pop español".

Carrera como solista [editar]La carrera como solista de Antonio Vega comenzaría, como no podía ser de otra manera, marcada por su etapa anterior, de la que saldría como un músico consagrado y muy respetado por sus compañeros de profesión. Así pues, Antonio mantendría la misma línea de creación durante su etapa de solista que en la anterior, aunque se volvería, tal vez, un poco más intimista, quizá por la ausencia de la influencia musical de su primo Nacho García Vega.

Su primer disco de esta etapa salió a la luz en 1991 bajo el título No me iré mañana, y es una auténtica obra maestra en la se mezclan temas más poperos, como los magníficos "Esperando nada", "Háblame a los ojos" o "Lo mejor de nuestra vida", con temas más próximos a un estilo de la denominada "Canción de autor", como "Tesoros" o "Se dejaba llevar por ti".

Posteriormente a este disco, se publicó, en 1992, un disco recopilatorio en el que se incluían algunas de sus mejores canciones de la época de Nacha Pop y de su anterior y único trabajo como solista hasta esa fecha, junto a una versión de la mítica y antiquísima canción "Ansiedad", de Chequile Saravia, y una primera versión de otro de sus mejores temas "El sitio de mi recreo", que daba nombre al disco.

En 1994 saldría su siguiente trabajo: Océano de sol, para cuya grabación Antonio Vega viajaría a Inglaterra, donde le esperaba Phil Manzanera, ex guitarrista de la mítica banda Roxy Music y reputado productor musical, que se ocuparía de la producción del disco. Sin embargo, Antonio Vega no quedó nada contento con el trabajo de Manzanera, atribuyendo a este falta de profesionalidad, así como diferencias en la concepción del trabajo. En este disco destacan temas como "Vapor", "Palabras" o una segunda versión más trabajada de "El sitio de mi recreo".

Tras un silencio de cuatro años Antonio publica el disco Anatomía de una ola, más acústico y tranquilo que los anteriores, en el se recogen temas como "Ángel caído", dedicada a Vincent Van Gogh o "Como la lluvia al sol". En este disco se hallaba también la versión del "Agua de río" que sus por entonces inseparables Basilio Martí y Nacho Béjar habían escrito para el muy influenciado "Arquitectura de la soledad", único LP de su banda conjunta, "Sonora"

En 2001 publica el siguiente título, De un lugar perdido, es un disco corto en el que destacan temas como "Estaciones", "Para bien o para mal" o "A trabajos forzados", canción en la que Antonio pone música a un poema de otro Antonio, el escritor Antonio Gala.

En el año 2002 Antonio Vega publica su particular Básico, en el que hace versiones acústicas de sus canciones más conocidas y de otras algo menos, aprovechando para sacar también algún tema inédito a la luz.

A finales de 2003, participa como solista en el tributo a la banda española Hombres G interpretando la canción "La carretera".

Seguiría a este en 2004 un disco de colaboraciones, entre otros con Amaral, con los que canta "Cómo hablar", Jarabe de Palo, haciendo dueto con Pau Donés en el tema "Completo incompleto", o Elefantes, con los que hace una versión de "Que yo no lo sabía".

En 2004 participa también en el homenaje colectivo al poeta Pablo Neruda en su centenario: Neruda en el corazón.

Su último trabajo hasta la fecha se publica en el 2005, 3000 noches con Marga, pretende rendir homenaje a la que fue su compañera, Margarita del Río, que falleció recientemente, el propio título es una referencia al tiempo que Antonio pudo pasar con ella hasta su muerte. Es un disco en el que se encuentran temas como "Angel de Orión", "Caminos infinitos", "Pasa el otoño" o la instrumental "3000 noches con Marga".

En el año 2007 Antonio se reúne con Nacho García Vega y deciden volver al escenario como Nacha Pop en una gira en España, además de su aparición en el DVD de la "historia sinfónica del pop español" junto a Coppini, Javier Andreu, Jose Mari Granados y otras leyendas del pop español.[3] Además colabora en el tema "Ahora qué" de Conchita, incluido en su álbum de debut, Nada más.

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Tras acabar dicha gira, vuelve a su carrera de solista y sigue dando conciertos.

En 2004 murió Margarita del Río, su compañera sentimental y coautora de algunos temas. Esta muerte le llevó a una depresión en la que compuso 3000 noches con Marga, su último disco en solitario, editado en 2005.

En abril de 2009 fue ingresado en el hospital Puerta de Hierro de Madrid debido a una neumonía aguda por lo que suspendió su gira con Nacha Pop.[4] Falleció el 12 de mayo siguiente, a los 51 años de edad. Se informó que padecía un cáncer de pulmón.[5]


Discografía
Como solista. Álbumes de Estudio
1991 - No me iré mañana
1994 - Océano de sol
1998 - Anatomía de una ola
2001 - De un lugar perdido
2005 - 3000 noches con Marga

Álbumes en Vivo
2002 - Básico (Concierto en el Círculo de Bellas Artes de Madrid)

Recopilatorios
1992 - El sitio de mi recreo (Recopilatorio de sus mejores baladas)
1993 - Ese chico triste y solitario (Homenaje de varios artistas)
2004 - Escapadas (Disco de colaboraciones)

Con Nacha Pop. Álbumes de Estudio
1980 - Nacha Pop
1982 - Buena disposición
1983 - Más números, otras letras
1984 - Una décima de segundo
1985 - Dibujos animados
1987 - El momento

Álbumes en Vivo
1988 - Nacha Pop 1980-1988 (Álbum en directo)
2008 - Tour 80-08 Reiniciando (2 CDs + DVD. Grabado en directo)

Con Un Mar al Sur 2008 - Un sueño compartido

Vídeos aquí:

http://zonaforo.meri...c.php?t=1323517


Putas drogas.

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#188

Escrito 06 julio 2009 - 18:51

Michael Jackson (1958 - 2009)

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Michael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 – Los Ángeles, California, 25 de junio de 2009), conocido en el mundo artístico como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop, en una amplia acepción que incluye subgéneros como el hard rock, rhythm & blues (soul y funk), disco y dance.

Tras formar en los años sesenta, siendo aún un niño, un grupo de gran éxito en compañía de sus hermanos, The Jackson Five, en la década de los años ochenta se convierte en la superestrella de pop más exitosa a nivel mundial, el nuevo rey de la música pop, debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música.

Denominado como «king of pop, rock and soul» por la actriz estadounidense Elizabeth Taylor, esta denominación hace referencia a que Jackson era el "rey del pop", y el "rey de la música soul". De modo similar, el cantante fue denominado como «king of entertainment» ("rey del entretenimiento") por la popular presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que ésta le hizo en febrero de 1993, y además, la enciclopedia Britannica incluye a Michael Jackson, como notable estrella de rock, en su sección "Rock music", junto a Madonna y Prince.

A lo largo de su trayectoria artística como solista, la música de Michael Jackson fue modernizándose y evolucionando, especialmente desde la década de los años 80. Esto se manifiesta en los estilos musicales soul o funk que interpretó, específicamente en la fusión de soul o funk con disco ("Billie Jean" o "Thriller", de 1982); luego la de soul o funk con dance, o hard dance ("Bad" o "Smooth criminal", de 1987); y la de soul o funk con hip hop ("Remember the time" o "Jam", de 1991), esta última fusión se llama new jack swing.

Pero Michael Jackson también incursionó en el rock and roll duro, a través de sus innovadoras canciones de hard rock como "Beat it" (1982), "Dirty Diana" (1987), "Black or white" (1991), "Give in to me" (1991), "D.S." (1995), "Morphine" (1997) y "Privacy" (2001), en las que han tocado, entre otros, destacados guitarristas de hard rock como Eddie Van Halen, Steve Stevens y Slash.

Jackson ha sido catalogado como un genio musical y artístico, lo que demostró desde sus inicios como un niño-prodigio con un nivel artístico realmente extraordinario. Pero también fue un personaje polémico, con defensores y detractores, al que rodearon innumerables leyendas y rumores (muchas veces alimentados por él mismo) y que se vio envuelto en varios juicios acusado de pederastia, que tuvieron repercusión mundial y que le mantuvieron apartado en los últimos años de la primera fila de la popularidad.

Michael Jackson fue una figura de fulgurante carrera pues alcanzó su cúspide comercial y de fama con apenas 25 años de edad. Pero en él se mezclaron (como opinó el presidente Barack Obama) el éxito y tristes circunstancias personales. Las exigencias de su profesión, su afán de perfeccionismo y superación, y el acoso de la prensa, fueron factores que unidos a su timidez y sensibilidad extremas, le causaron un estrés y demás problemas de salud que se agravaron en la década de 1990 por problemas judiciales. Toda esta problemática se sumó a los traumas que Jackson arrastraba por una infancia demasiado volcada en el trabajo, y ayudan a explicar su comportamiento extraño y huidizo, sus gustos excéntricos, sus obsesiones y su deterioro físico final. En cualquier caso, su genialidad artística es indiscutible al igual que su éxito a nivel mundial, plasmado en cientos de millones de discos vendidos. Apoyado por la espectacularidad de sus campañas de promoción, videoclips y conciertos, en ellos hizo gala de su enorme talento como cantante y bailarín, y fue pionero en múltiples novedades coreográficas y visuales que han marcado tendencia en el mundo del pop.

Videos de sus singuels:

http://www.youtube.com/watch?v=AtyJbIOZjS8

http://www.youtube.com/watch?v=ACPsfcsg4ZE

El rey del Pop en vivo.
http://www.youtube.com/watch?v=cC1TTz2bMmM

http://www.youtube.com/watch?v=e3wShd_bX8A

Ya lo hacía así de bien con tan solo 13 años.
http://www.youtube.com/watch?v=aSqo17o2a1w


PD: pensaba que ya lo habrían posteado siendo Miachel Jackson.

    Jeremy_Bentham91

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#189

Escrito 10 julio 2009 - 12:08

Qué raro que no esté aquí este señor:

Robert Johnson (1911 - 1938)


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Robert Johnson nacido como Robert Leroy Johnson (8 de mayo de 1911 – 16 de agosto de 1938) fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues conocido como "El Rey del Delta blues." Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de canto, habilidades de guitarra, y talento en la composición que influenciaron a generaciones de músicos, a pesar de solo haber dejado un registro de 29 canciones. Su enigmática vida, pobremente documentada, y muerte a la edad de 27 años han dado lugar a la creación de muchas leyendas sobre su persona.

Es considerado como el "El Abuelo del Rock-and-Roll", su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama "El más importante músico de Blues que haya vivido". Ocupó el 5º puesto en la lista de "Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de "Early Influence" (Influencias tempranas).

La técnica guitarrística de Robert Johnson se basa en una evolución del estilo sincopado de Son House, en el que un florido lenguaje de tresillos, glisandos y contrapuntos dialogan con la voz solista sobre un compás 4/4 de la que se encarga el pulgar, martilleando las bordonas.

Puede considerarse a Robert Johnson, junto a Blind Willie Johnson, como el gran maestro de la guitarra slide (o bottleneck, técnica consistente en pisar las cuerdas sobre el mástil no con los dedos de la mano izquierda, sino frotándolas con un tubo de metal o cuello de botella —bottleneck—, obteniendo un sonido punzante y sinuoso típico de la música afroamericana primitiva).


La vigencia del legado musical de Johnson se basa en una peculiar asunción de las estructuras musicales del blues rural anterior a él (Charlie Patton, Son House, Willie Brown, Blind Lemon Jefferson, etc.) y en la fuerza literaria de unos versos que hacen de él uno de los más insignes autores de la poesía popular estadounidense. Hay tres constantes en las letras de Johnson: lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo incesante y los terrores irracionales.

Yendo un paso más allá de la simple evolución folklórica, las letras de sus canciones conforman un imaginería personal en que se mezclan motivos religiosos, sexuales y festivos que impactan al oyente gracias a una singular precisión poética. En sus canciones emerge un universo personal de expresión y creatividad, no la mera reiteración de clichés tradicionales. Su inimitable estilo vocal, salpicado de escalofriantes falsetes, su generoso sentido de la libertad interpretativa (se han conservado algunas tomas alternativas de sus canciones, que muestran versiones radicalmente distintas de una misma canción en cuestión de minutos, como en el caso de Come on in my kitchen) han hecho de él una isla aparte en la historia del blues.

Su particular estilo como cantante y guitarrista ha sido siempre admirado por artistas como Muddy Waters, Elmore James, Ry Cooder, Keith Richards, Bob Dylan o los integrantes del grupo Led Zeppelin.A través de Muddy Waters y los intérpretes británicos de blues de los años sesenta (John Mayall, Eric Clapton, Peter Green, Rolling Stones, etc.) su influencia es notabilísima en el rock. La explícita Lemon song de los Led Zeppelin rinde tributo a una de las estrofas de Me and the devil blues. Eric Clapton ha dedicado recientemente un álbum entero (Me and Mr. Johnson) (el Sr. Johnson y yo) a versionar el repertorio de Robert Johnson; también el guitarrista britanico Peter Green lo ha versionado en un disco llamado "The Robert Johnson Songbook".

Los Rolling Stones, Cream, Jimi Hendrix y en especial Eric Clapton han grabado versiones de sus canciones.



-----------------------------------------------

Como curiosidad decir que aparece en películas como "Cruce de caminos" y "O Brother" , en esta última como Tommy Johnson.

Este señor es un imprescindible a la hora de escuchar blues o los inicios del rock. Él fue el primero en hacerlo, de ahí a que su legado sea interminable en la historia de la música.

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#190

Escrito 28 septiembre 2009 - 18:04

Alicia de Larrocha

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Alicia de Larrocha y de Calle, (nació en mayo de 1923, Barcelona, murió el 25 de septiembre de 2009) fue una pianista española, reconocida como la de mayor proyección internacional, y una de las mejores intérpretes de piano del siglo XX especialmente en obras de Mozart y del repertorio español. Acumula entre otros premios, dos Grammy, la Legión de Honor francesa y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes de 1994.

Biografía

Pianista precoz, empezó sus estudios musicales a la edad de tres años: Descubierta por Frank Marshall, discípulo de Enrique Granados, la incorporó a la prestigiosa Academia Granados, de la que era continuador. Allí conoció a Arthur Rubinstein, Alfred Cortot y otros grandes pianistas de la época.

Interpretó su primer concierto con seis años, en la Exposición Universal de Barcelona de 1929, y a los once participó en su primer concierto oficial, con la Orquesta Sinfónica de Madrid. A partir de 1939 ofreció conciertos con diferentes orquestas europeas, pero es en 1954 al protagonizar una gira por los Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Los Angeles, invitada por Alfred Wallenstein, cuando empieza su reconocimiento internacional por su impecable técnica al piano.

Alicia de Larrocha ha grabado multitud de obras al piano, pero es especialmente reconocida por sus interpretaciones de autores españoles, en particular de composiciones de Manuel de Falla, Enrique Granados e Isaac Albéniz, autor este último al que estuvo ligada a lo largo de su vida, con sus versiones de la suite Iberia; o de ediciones como la de las sonatas de Antonio Soler, en 1967.

En 1959, año del fallecimiento de su maestro Frank Marshall, fue nombrada Directora de la Academia Marshall, continuadora de la Academia Granados, donde además de supervisar la labor docente del centro impartía clases magistrales de piano, especialmente de música española.

La pianista falleció el viernes 25 de septiembre de 2009 en el Hospital Quirón de Barcelona a los 86 años como consecuencia de la evolución de un largo proceso cardiorespiratorio.

Deja como legado una vastísima discografía.

Premios y reconocimientos

1982 • Músico del año. Nueva York.

1983 • Galardón de la Sociedad General de Autores de España. Madrid. • Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña. Barcelona.

1984 • Premio Nacional de Música. Madrid.

1985 • “Doctor of Fine Arts”. Carnegie-Mellon University, Pittsburg. • Doctor Honoris Causa. Middlebury College University, Vermont

1987 • Miembro de Honor de la “Royal Academy of Music”. Londres.

1988 • Académica Honoraria. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid. • Premio Larios a la Interpretación Musical. Fundación C.E.O.E. Madrid. • “Commandeur dans l’Ordre des Arts et des Lettres”. París.

1990 • Medalla de Honor de la Fundación Albéniz. Barcelona. • Académica Honoraria. Bayerische Akademie der Schönen Künste. Múnich.

1991 • Premio Nacional de Música de la Generalidad de Cataluña. Mejor intérprete de música clásica. Barcelona.

1992 • Premio ONDAS. Mejor solista español. Barcelona.

1994 • Premio Esteve Bassols “a una senyora de Barcelona”. • Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Mejor intérprete de música clásica. Oviedo.

1995 • Premio UNESCO. Consejo Internacional de Música. París.

1998 • Premio Honorífico de la Fundación Internacional de la Mujer Emprendedora. Barcelona.

1999 • Premio Fundación Guerrero de la Música Española. Madrid. • Académica de Honor. “Reial Acadèmia de Belles Arts de Sant Jordi”. Barcelona. • Académica Honoraria. Real Academia de Bellas Artes de Nuestra Señora de las Angustias. Granada. • Homenaje del Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona (Bruch)

2000 • Premio ONDAS. Música clásica. Barcelona. • Premio Nacional de la Enseñanza de las Artes. Generalidad de Cataluña. Barcelona.

2001 • Premio Ciudad de Barcelona. • Doctora Honoris Causa. Universidad de Lérida. • Premio “Fira Gran”. Barcelona.

2003 • Medalla de Honor de la 52 edición del Festival de Música y Danza de Granada. • Nota de Oro de las Juventudes Musicales de Barcelona.

2004 • Premio Yehudi Menuhin a la integración de las Artes. Madrid. • Medalla Albéniz de la Fundación Pública Museo Isaac Albéniz. Camprodón. Gerona. • Premio Nacional de Música de la Generalidad de Cataluña. Barcelona.

2005 • Concierto Homenaje de la Orquesta “Julià Carbonell de les terres de Lleida”. Auditorio Enrique Granados. Lérida. • Dedicación de la XX edición del Concurso Internacional de Piano “Premi Zanuy Ciutat de Berga”. • Homenaje de la "Associació Catalana d'Intèrprets de Música Clàssica".

2006 • Homenaje de la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC). Aula Alicia de Larrocha. Barcelona.






PD: A ver si actualizamos ya señor Quintiliano.

#191

Escrito 28 septiembre 2009 - 20:09

GEORGE GERSHWIN 1898-1937

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Primeros años
Morris Gershovitz dejó San Petersburgo con destino a Nueva York hacia 1892. Iba en pos del "sueño americano" y de una hermosa joven llamada Rose Bruskin, cuya familia había partido poco antes que él.

Como muchos otros inmigrantes judíos, la pareja se estableció en el barrio pobre de NY llamado Lower East Side. Su primer hijo Israel (Ira), nació en 1896; dos años más tarde, nacio Jacob (George).

Para entonces, el nombre de Gershovitz ya se había transformado en Gershwin. Las esperanzas de la familia se centraron en Ira, un estudiante muy brillante; George al parecer mostraba más interés en pasear con patines. Rose Gershwin compró en 1910 un piano para Ira, aunque al final fue George quien acabó tocándolo.

George empezó a recibir clases de ese instrumento, pero sus profesores no fueron los adecuados hasta que, hacia 1912, conoció al dotado Charles Hambitzer, quien intridujo a su discípulo en la música de Chopin, Liszt y Debussy.
George albergó esperanzas de convertirse en pianista de concierto. Estas esperanzas se esfumaron temporalmente cuando su padre decidió ponerlo a estudiar contabilidad.

Tin Pan Alley
George no sentía ningún interés por la contabilidad y, en 1914, convenció a su madre de que le dejara abandonar esos estudios. Con gran consternación de su padre, aceptó un trabajo de pianista en Tin Pan Alley, una zona de Nueva York en la que había numerosos editores de música popular.

El trabajo consistía en tocar las canciones nuevas a posibles compradores de partituras. Tenía un sueldo de 15 dólares a la semana, una suma razonable para un muchacho de 15 años, y por primera vez estaba en contacto con la música popular.
George sentía que gran parte de ella estaba mal escrita y que él podía hacerlo mejor. En 1917, cuando aún no tenía 20 años, ya había publicado varias canciones. Sus propios patronos, Remick & Co., decidieron que tenía posibilidades y le publicaron un ragtime para piano llamado Rialto Ripples.

Pero george tenía la vista puesta en el teatro. En 1917, dejó su trabajo y encontró un empleo de pianista en diferentes espectáculos de pequeños teatros de Broadway.
Pronto llamó la atención de influyentes productores teatrales.

Su reputación como compositor se consolidó en 1920, cuando Al Jolson grabó Swanee, una canción escrita por Gershwin el año anterior, de la que se vendieron miles de ejemplares. Gershwin ganó con ella una fortuna, y ése habría de ser su mayor éxito con una sola canción. Tenía sólo 22 años.

El éxito a gran escala
La fama le trajo el encargo de escribir la música para George White's Scandals, una revista que compitió con la legendaria Ziegfeld Follies.
Gershwin también compuso para otras producciones y, en 1923, llevó su propio espectáculo, The Rainbow a Inglaterra.

Gershwin se consideraba un compositor de música seria, pero deseaba fundirla con la energía de la música folclórica estadounidense del siglo XX. Su obra maestra Rhapsody in Blue, se publicó en 1924 y con ella dejó bien clara su talla como compositor.

Los éxitos se sucedieron, entre ellos el espectáculo Lady, Be Good!, con Fred Astaire, que escribió en colaboración con su hermano Ira.
En 1925 estrenó su Concierto para piano en Fa, y en 1928 emprendió una gira triunfal por las más importantes capitales europeas.

Gershwin nunca se casó. Aunque tuvo muchas amistades íntimas, las relaciones serias lo esquivaron. Si bien se convertía siempre en el centro de las fiestas y rebosaba confianza, su interior ocultaba una inseguridad que le abocaba a padecer continuas
depresiones.

Imagen Enviada

George (izquierda) y su hermano Ira


Etapa en Hollywood
En pleno periodo de la Gran Depresión, en un momento en que la mayoría de estadounidenses hacía cola para recibir una ración de comida, el tren de vida de Gershwin era fabuloso. Tenía dinero, éxito y era adulado; sin embargo, sentía que podía dar más de si.
Viajó a la meca del cine, Hollywood. En 1930 compuso en colaboración con Ira la primera de una serie de bandas sonoras; los dos hermanos tenían la exhorbitante tarifa de 100.000 dólares.

Gershwin pasaba la mayor parte de su tiempo libre en espléndidas fiestas, jugando al golf con famosos y teniendo aventuras amorosas con estrellas cinematográficas como Ginger Rogers.
También siguió en contacto con Broadway y escribió para varios espectáculos, incluyendo Of Thee I Sing en 1931, que se convirtió en el primer musical que recibió el codiciado premio Pulitzer para teatro.

En 1933, una serie de fracasos afectó seriamente su reputación y se refugió en el psicoanálisis. Al mismo tiempo, empezó a realizar su gran ambición: componer una ópera. Había leído un libro titulado Porgy sobre el sur estadounidense y consideró que era el vehículo perfecto para dar al jazz popular un trasfondo clásico.
La ópera Porgy and Bess se terminó en septiembre de 1935 y se estrenó en Boston ese mismo mes con una acogida entusiasta.

Cuando la ópera se trasladó a Nueva York, las críticas no fueron favorables: al público asiduo a la ópera, conservador y acomodado, le fue difícil de aceptar en ella la presencia de música negra.
Disgustado por lo que consideró un estúpido prejuicio, Gershwin regresó con su hermano a Hollywood. Juntos escribieron la música de varias películas de su gran amigo Fred Astaire, que tuvieron un enorme éxito.

Un trágico final
Gershwin adquirió sus mayores vínculos sentimentales durante este período en Hollywood, primero con la actriz francesa Simone Simon y luego con la esposa de Charles Chaplin, Paulette Goddard.

Con sólo 38 años, el toque de Midas de gershwin no parecía agotarse, pero en junio de 1937 empezó a sentir vértigos y mareos. Los médicos lo atribuyeron al exceso de trabajo y le recomendaron reposo absoluto. Pero Gershwin se fue debilitando cada vez más y el 9 de julio entró en coma.
Una punción medular puso de manifiesto un avanzado tumor cerebral. El 11 de julio se le realizó una operación de emergencia, a pesar de la cual murio.

El mundo perdió a un compositor cuyo estilo único en seguida se hizo popular y que aún hoy provoca la misma admiración e igual de placer.


Obras principales

Música orquestal:
-Rhapsody in Blue
-Concierto para piano en Fa
-Un americano en París
-Obertura cubana

Ópera:
-Porgy and Bess

Musicales:
-George White's scandals
-Primrose
-Lady, Be Good!
-Funny Face
-Of Thee I Sing
-Oh Kay!
-The Rainbow

Música cinematográfica:
-Shall We Dance?
-A Damsel in Distress
-The Goldwyn Follies

Canciones:
-Swanee
-Embraceable You
-I Got Rhythm
-Summertime
-Nice Work If You Can't Get It
-Stairway to Paradise
-Somebody Loves Me

La versión de Rhapsody in Blue de Fantasia 2000:
http://www.youtube.com/watch?v=p-gP6KFPEKA

Leslie Caron y Gene Kelly bailando el pasaje más romántico de Un americano en París (Minelli adaptó el musical años después de morir Gershwin):
http://www.youtube.com/watch?v=wlvzGT1Ta2w


Gene Kelly cantando "I got Rythm", la canción más popular de Gershwin junto con "Summertime", en la película Un americano en París:
http://www.youtube.com/watch?v=LvglHa_P9BA


Alguna curiosidad que otra:

-Hoy por hoy, Gershwin está considerado el único compositor "clasico" que ha tenido EE.UU.

-No hace falta decir que Gershwin es el compositor favorito de Woody Allen, admiración que quedó más que patente en esa joya del cine que es Manhattan.

-En el corto de Fantasia 2000 de Rhapsody in Blue, el hombre que toca el piano es el mismo Gershwin.

-La afición al patinaje de los protagonistas del corto, hace referencia a la afición que tenía Gershwin por este hobby/deporte.

-Hace cosa de 15 años, salió un álbum llamado The glory of Gershwin, donde varios artistas tales como Peter Gabriel, Sting, Jon Bon Jovi o Meat Loaf versioneaban junto a la harmónica del gran Larry Adler las canciones más coocidas de Gershwin. Adler fue amigo personal de los hermanos y su versión de la Rapsodia in Blue "para harmónica y orquesta" que aparece en ese disco es sublime.
Disco altamente recomendable.


La mayoría de este texto/tocho (menos alguna pequeña aportación mía), está extraída de The Classical Colection de la editorial Planeta DeAgostini.

Un saludo a todos.

    Quintiliano

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#192

Escrito 29 septiembre 2009 - 15:05

Hola

Gracias a todos por las últimas aportaciones y disculpad la demora en actualizar el hilo, ya está hecho :P

Si veis cualquier error en los links o en algún nombre, comunicádmelo por MP.

Saludos

  • arrepeteke

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#193

Escrito 30 septiembre 2009 - 19:42

Te falta Ramón de Algeziras, que falleció el 21 de enero de 2009.

#194

Escrito 02 octubre 2009 - 20:42

Bueno estos no estan muertos pero estan desaparecidos de la escena aunque sus integrantes siguen su carrera por solitario
El club de los poetas vioentos

El Club de los Poetas Violentos, también conocidos como CPV es un grupo de rap de Madrid (España).
Formado por El Meswy (MC), Jota Mayúscula (DJ), Kamikaze (MC), Mr. Rango (MC), Paco King (MC) y Supernafamacho (MC). Además de estos, Frank-T (MC) formó parte del grupo en su primer LP Madrid, zona bruta. Actualmente aunque el grupo no ha declarado su disolución,[1] sus componentes siguen carreras en solitario en el mundo del hip hop.

En el año 1993 apareció la primera maqueta del grupo conocida como Tribunal, una gran parte de los temas incluidos en ella, posteriormente formarían parte de su primer LP. Esta maqueta no fue lanzada como tal por el gurpo si no fue una recopilación de temas en los que iban trabajando. En el año 1994 apareció su primer disco "Madrid zona bruta". Este LP es considerado como el primer trabajo serio publicado en España de Hip-Hop. El título del disco inspiró el nombre a la compañía discográfica Zona Bruta, de la que posteriormente formó parte. En 1997, y después del maxi "Y ahora ké, eh?" publican el segundo LP, "La saga continúa", incluyendo a Mr. Rango oficialmente en el grupo, pues anteriormente sólo había colaborado de manera esporádica.

Se puede afirmar que 1998 fue el año más productivo del grupo, pues se publicaron dos maxi single y un LP. El primer maxi single "9:30 Remix" incluía una remezcla de un tema de su anterior LP además de un nuevo tema "De cacería", una canción de 7 minutos del que hicieron el primer videoclip del Hip hop español y el único del grupo. El segundo maxi, titulado "Guannais/A muerte" era un adelanto del LP que publicaron posteriormente.

Hasta el momento, "Grandes planes" es el último LP publicado por CPV. En el año 2006, la compañía BoaCor, dueña de los derechos del primer disco del grupo Madrid, zona bruta tras comprarlos de la discográfica que originalmente lo pubblicara,Yo Gano - Superego, Zona Bruta, publicó una edición remasterizada de este trabajo. Este gesto no fue muy bien recibido por algunos integrantes del grupo pues reconocen que no fueron avisados antes de la publicación de la remasterización.[2] Además de mejoras en el sonido gracias a la remasterización, el disco incluyó un tema inédito titulado "Raggamanda".

El 8 de agosto de 2009 los componentes de la banda se reunieron para dar un concierto en Pinto (Madrid).[3] El 12 de septiembre actuarán en el festival Hipnotik en Barcelona.

Discografia

* Maqueta 93 (Maqueta) (1993)
* Madrid, zona bruta (LP) (Yo Gano, 1994)
* Y ahora ke, eh? (maxi single) (Zona Bruta, 1996)
* La saga continua 24/7 (LP) (1997)
* 9:30 Remix (maxi single) (1998)
* Guannais/A muerte (maxi single) (Zona Bruta, 1998)
* Grandes planes (LP) (Zona Bruta, 1998)
* Madrid, zona bruta (edición especial) (LP) (BoaCor, 2006)


Videos

http://www.youtube.com/watch?v=pytmioAb7XI&feature=channel_page


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